Nguyên Phương, một cái tên đã trở thành biểu tượng của sự sáng tạo và đổi mới trong lĩnh vực nghệ thuật, đặc biệt là trong giới cải lương. Bằng tinh thần nghệ thuật không ngừng nghỉ, anh đã thổi vào loại hình nghệ thuật truyền thống này những góc nhìn mới mẻ và thú vị, mang đến cho công chúng những trải nghiệm độc đáo.

Không chỉ giới hạn trong lĩnh vực cải lương, Nguyên Phương còn nổi tiếng với việc kết hợp loại hình nghệ thuật này với nhiều thể loại khác, tạo ra những sản phẩm vừa độc đáo vừa phong phú. Sự kết hợp không giới hạn này không chỉ giúp anh tạo ra dấu ấn riêng biệt mà còn mở ra những hướng đi mới, những cánh cửa cơ hội cho sự phát triển của nghệ thuật cải lương trong tương lai.

Đặc biệt, Nguyên Phương đã lựa chọn Opera, một loại hình nghệ thuật tiêu biểu của phương Tây, và lồng ghép nó một cách tinh tế và thông minh vào các tác phẩm cải lương của mình. Qua đó, anh không chỉ thể hiện sự tài năng và am hiểu sâu rộng về các loại hình nghệ thuật khác nhau mà còn góp phần làm đa dạng và phong phú thêm nền nghệ thuật của đất nước.

Nhờ vào những nỗ lực và sáng tạo không ngừng nghỉ, Nguyên Phương đã đạt được những thành công đáng kể, khẳng định vị thế của mình trong làng nghệ thuật. Những cống hiến của anh đã khiến CÂU LẠC BỘ TUỔI TRẺ tự hào khi có một thành viên tài năng như Nguyên Phương, người không chỉ là nguồn cảm hứng cho nhiều nghệ sĩ trẻ mà còn là niềm hy vọng cho sự phát triển và đổi mới của nghệ thuật cải lương nói riêng và nền nghệ thuật Việt Nam nói chung.

Với sự nghiệp đầy triển vọng và những đóng góp đáng kể cho nền nghệ thuật, Nguyên Phương chắc chắn sẽ tiếp tục là một cái tên nổi bật, tạo nên những dấu ấn quan trọng trong lịch sử nghệ thuật Việt Nam.

Âm nhạc đã trở thành một phần không thể thiếu trong lịch sử phát triển của Tập đoàn FPT, thể hiện tinh thần và văn hóa đặc trưng của công ty. Những ca khúc gắn liền với STCo (Sáng tác FPT) là những câu chuyện sống động, phản ánh tinh thần FPT – mạnh mẽ, dí dỏm và luôn hướng tới tương lai. Từ những giai điệu hùng tráng, hài hước của những bài hát tập thể, đến những nốt nhạc sâu lắng chạm trái tim FPTer xa nhà, mỗi bài hát là một mảnh ghép quan trọng trong bức tranh văn hóa FPT.

Nhắc đến những nhạc phẩm ‘kinh điển’ của FPT, không thể bỏ qua Đoàn FPT – giai điệu bất tử của FPT được chế lời từ ca khúc Đoàn giải phóng quân của cố nhạc sĩ Phan Huỳnh Điểu. Với giai điệu hùng tráng cùng ca từ hài hước, nhạc phẩm độc đáo này đã trở thành biểu tượng của tinh thần FPT: mạnh mẽ, kiên cường nhưng không kém phần dí dỏm. Bên cạnh đó, Người FPT, FPT dòng sông lời thề, FPT Vision cũng là những tuyệt phẩm không thể thiếu trong kho tàng STCo.

Nhằm khuyến khích CBNV sinh viên, thực tập sinh và cộng tác viên FPT trên toàn cầu cùng tham gia sáng tác âm nhạc đậm chất STCo, cuộc thi sáng tác STCo với chủ đề AI HAY ra đời. Cuộc thi chính thức phát động từ ngày 17/7, kéo dài đến hết 29/8. Tác phẩm dự thi có thể là những sáng tác mới hoặc lời mới trên nền nhạc có sẵn, từ những giai điệu quen thuộc trong đời sống cộng đồng đến các bài dân ca Việt Nam và thế giới.

Những tác phẩm xuất sắc sẽ có cơ hội được trình diễn tại lễ kỷ niệm sinh nhật FPT. STCo2025 sẽ là sân chơi âm nhạc và công nghệ hòa quyện, nơi AI không chỉ là những dòng code hay thuật toán, mà là chất xúc tác để FPTer kể những câu chuyện của mình.

Thị trường âm nhạc trên các nền tảng phát nhạc trực tuyến đang trải qua một cuộc cách mạng mới với sự xuất hiện của các ban nhạc hoàn toàn do trí tuệ nhân tạo (AI) tạo ra. Sự phát triển này đang làm xáo trộn ngành âm nhạc và đặt ra nhiều thách thức cho các nhạc sĩ. Hàng triệu lượt nghe trên Spotify của các bản nhạc do AI tạo ra, chẳng hạn như nhạc rock mang âm hưởng thập niên 1970 của Velvet Sundown và dòng nhạc đồng quê của Aventhis và The Devil Inside, đã cho thấy sự phổ biến của loại hình âm nhạc này. Tuy nhiên, vẫn chưa rõ ai là người đứng sau các bản nhạc này.

Hiện tại, chưa có nền tảng phát nhạc lớn nào, trừ Deezer của Pháp, công khai gắn nhãn cho các ca khúc được tạo ra hoàn toàn bằng AI. Điều này làm dấy lên mối quan ngại về tính minh bạch và trách nhiệm trong việc sử dụng AI trong ngành âm nhạc. Nghệ sĩ kiêm nhà sản xuất âm nhạc từng đoạt giải Oscar Leo Sidran cho rằng sự trỗi dậy của AI có thể phản ánh sự sáo rỗng và công thức hóa của nhiều dòng nhạc hiện đại.

Trong khi đó, nhà sản xuất kiêm nhạc sĩ Yung Spielburg lại có quan điểm khác. Ông cho rằng âm nhạc do con người tạo ra vẫn sẽ chiến thắng nếu khán giả thật sự lắng nghe, quan tâm tới thông điệp và cảm xúc của nghệ sĩ. Tuy nhiên, trong bối cảnh nhiều người chỉ nghe nhạc cho có, như khi nấu ăn hay làm việc nhà, thì AI sẽ dần lấn át vì những sản phẩm này tiện lợi, chi phí rẻ và không cần trả tiền bản quyền.

Các chuyên gia âm nhạc cũng đưa ra cảnh báo về tương lai của ngành âm nhạc. Giáo sư Dennis DeSantis thuộc Đại học Rochester nhận định các nền tảng nhạc số đang âm thầm lấp đầy danh sách phát bằng ‘nhạc tâm trạng’ do AI tạo ra và gán tên cho những nghệ sĩ mà chẳng ai tìm được thông tin. Đồng thời, nhạc nền do AI tạo ra ngày càng được sử dụng trong phim ảnh, quảng cáo, trung tâm thương mại, thang máy – nơi con người dần bị thay thế.

Cùng quan điểm, Giáo sư Mathieu Gendreau thuộc Đại học Rowan cho rằng AI xâm nhập ngành âm nhạc và sẽ không biến mất, điều đó khiến nghệ sĩ càng khó sống bằng nghề. Nghệ sĩ Sidran cũng thừa nhận anh và nhiều người trong nghề đã chứng kiến lượng công việc giảm rõ rệt từ cuối năm ngoái, có thể do sự bùng nổ của AI.

Công nghệ từng giúp ngành âm nhạc thăng hoa, nhưng AI là một thách thức hoàn toàn khác, có thể xóa sổ cơ hội sống sót của phần lớn nghệ sĩ. Thị trường âm nhạc thế giới đang đứng trước một cuộc cách mạng mới, với sự tham gia của AI trong lĩnh vực sáng tạo âm nhạc. Việc ứng dụng AI trong âm nhạc đang mở ra nhiều cơ hội nhưng cũng đồng thời tạo ra nhiều thách thức cho các nghệ sĩ và ngành âm nhạc nói chung.

Trong bối cảnh này, các nghệ sĩ và các nền tảng âm nhạc cần phải thích nghi và tìm ra cách để tồn tại và phát triển trong một môi trường cạnh tranh mới. Sự kết hợp giữa con người và AI có thể là chìa khóa để tạo ra những sản phẩm âm nhạc mới mẻ và sáng tạo, đồng thời giúp ngành âm nhạc tiếp tục phát triển và thăng hoa.

Rapper MCK vừa trở lại với màn trình diễn mới mang tên MV2323, một bản làm mới của ca khúc nổi tiếng “Buông Đôi Tay Nhau Ra” của Sơn Tùng. Mặc dù chỉ trong vài giờ, video đã đạt được hàng trăm nghìn lượt xem, nhưng phần lớn khán giả lại bày tỏ sự thất vọng với nội dung của video.

Việc MCK chọn cách “làm mới” nhạc phẩm cũ bằng cách thêm phần rap ngắn ở cuối bài, mà không có nhiều thay đổi về mặt phối khí, đã khiến nhiều người nhận xét rằng đây là MV của Sơn Tùng chứ không phải của MCK. Sự thiếu đột phá trong cách tiếp cận này đã khiến khán giả cảm thấy hụt hẫng và không thực sự thỏa mãn.

Thực tế, “Buông Đôi Tay Nhau Ra” không chỉ là một bản hit, mà còn là một phần ký ức âm nhạc của thế hệ khán giả trưởng thành vào những năm 2010. Việc lấy chất liệu từ một bản nhạc mang tính biểu tượng như vậy dễ khiến người nghe “quay về bản gốc” để tìm lại cảm xúc cũ, hơn là thưởng thức phiên bản mới. Điều này đặt ra câu hỏi về cách mà MCK tiếp cận và thực hiện dự án này.

Sự “trỗi dậy” của phong trào remix, re-sample trong âm nhạc Gen Z cũng đặt ra câu hỏi về ranh giới giữa sáng tạo và vay mượn. Nếu như “Tháp Drill Tự Do” của MCK từng tạo hiệu ứng nhờ khai thác chất liệu nhạc cách mạng theo phong cách drill táo bạo, thì 2323 lần này lại khiến người ta băn khoăn về mức độ đầu tư và tư duy âm nhạc thật sự. Liệu rằng MCK có thể tạo ra một bản remix thực sự nổi bật và có giá trị nghệ thuật hay không?

MCK không phải người đầu tiên thử sức với nhạc Sơn Tùng, nhưng vấn đề không nằm ở việc làm lại nhạc xưa mà là làm sao để thể hiện được chất riêng của người làm mới. Khi thị trường âm nhạc hiện đại đang bão hòa với các sản phẩm “vừa tai, dễ viral”, thì bài toán giữ cá tính lại càng khó khăn. Làm thế nào để MCK có thể khẳng định giá trị nghệ sĩ của mình trong bối cảnh cạnh tranh này?

Tất nhiên, không thể phủ nhận hiệu ứng tức thì mà sản phẩm này mang lại. Nhưng về lâu dài, MCK sẽ cần nhiều hơn những bản “remix hoài niệm” để khẳng định giá trị nghệ sĩ. Bởi một nghệ sĩ lớn không chỉ biết khai thác ký ức tập thể, mà phải biết tạo ra ký ức mới cho thời đại của chính mình. Trong tương lai, MCK sẽ cần thể hiện nhiều hơn khả năng sáng tạo và đổi mới để có thể tạo ra những tác phẩm âm nhạc thực sự nổi bật và có giá trị lâu dài.

Gần đây, công chúng Việt Nam đã chứng kiến một loạt vụ việc nghệ sĩ bị bắt vì liên quan đến ma túy, gây ra nhiều shock và làm dấy lên mối quan ngại về xu hướng dễ dàng sa vào cạm bẫy này trong giới nghệ thuật. Trước những trường hợp như vậy, một số người trong giới đã đưa ra quan điểm rằng các nghệ sĩ cần có sự sáng tạo và cảm xúc để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật xuất sắc, và đó là lý do họ tìm đến các chất kích thích để có thể “phiêu” hơn trong nghệ thuật của mình.

Tuy nhiên, các chuyên gia tâm lý và xã hội học đã lên tiếng cảnh báo về quan điểm này, cho rằng đây là một sự ngụy biện nguy hiểm và có thể dẫn đến những hậu quả nghiêm trọng. Họ nhấn mạnh rằng việc sử dụng ma túy không chỉ ảnh hưởng đến sức khỏe thể chất và tinh thần của nghệ sĩ mà còn có thể dẫn đến tình trạng nghiện và gây ra nhiều hệ lụy cho cả cá nhân và xã hội.

Theo các chuyên gia, nghệ sĩ cũng như mọi người khác, cần phải nhận thức rõ về tác hại của ma túy và tránh xa nó. Thay vì tìm kiếm cảm giác “phiêu” thông qua chất kích thích, nghệ sĩ có thể tìm kiếm nguồn cảm hứng từ cuộc sống, từ con người và từ chính trải nghiệm của mình.

Các chuyên gia cũng chỉ ra rằng, trong nhiều trường hợp, việc sử dụng ma túy có thể bắt nguồn từ áp lực và căng thẳng trong công việc, từ nhu cầu tìm kiếm sự công nhận và thành công trong sự nghiệp. Do đó, thay vì tìm đến ma túy, nghệ sĩ cần được hỗ trợ và hướng dẫn để có thể đối mặt với những áp lực và căng thẳng một cách lành mạnh.

Trong bối cảnh nhiều nghệ sĩ Việt Nam gần đây bị bắt vì liên quan đến ma túy, giới nghệ thuật và công chúng đang cùng nhau nhìn nhận lại vấn đề này. Các chuyên gia tâm lý và xã hội học hy vọng rằng, thông qua việc cảnh báo về những nguy hiểm của ma túy, họ có thể giúp các nghệ sĩ và công chúng nhận thức rõ hơn về tầm quan trọng của việc tránh xa các chất kích thích và xây dựng một cuộc sống lành mạnh.

Việc sử dụng ma túy trong giới nghệ thuật không chỉ là một vấn đề riêng của nghệ sĩ mà còn liên quan đến cả xã hội. Chính vì vậy, việc cùng nhau ngăn chặn và chống lại việc sử dụng ma túy trong giới nghệ thuật nói riêng và trong xã hội nói chung đang là một việc làm cần thiết và cấp thiết.

Tìm hiểu thêm về các vấn đề liên quan tại https://www.vietnamplus.vn

HsiaoWei Hsiang, một cái tên đang lên trong giới modeling, đang tạo dựng được tên tuổi của mình với sức mạnh lặng lẽ nhưng đầy ấn tượng. Phong cách làm việc của cô không cần phải hét lên để được chú ý, mà vẫn tỏa sáng qua từng khung hình. Hiện đang sống tại thành phố New York, Hsiang đã tạo dựng được tên tuổi của mình không chỉ bởi vẻ đẹp mà còn bởi khả năng kể chuyện qua hình ảnh. Phong cách trình diễn của cô mang tính suy ngẫm và nhiều tầng, thể hiện sự hiểu biết sâu sắc về văn hóa trong công việc.

Sinh và lớn lên tại Đài Loan, Hsiang chuyển đến New York vào năm 2021. Sự kết hợp giữa phong cách tinh tế của Đông Á và năng lượng sôi động, nhanh chóng của thành phố đã thu hút sự chú ý của các nhà thiết kế và những người sáng tạo. Họ không chỉ chú ý đến vẻ đẹp của cô mà còn cách cô làm cho mỗi bức ảnh trở nên đặc biệt.

Một trong những điểm nhấn trong sự nghiệp của Hsiang là hợp tác với Imurani, một thương hiệu thời trang New York nổi tiếng với các sản phẩm hiện đại và sạch sẽ. Cô là nhân vật chính trong buổi trình diễn runway của NYFW 2024 và tiếp tục xuất hiện trong các hình ảnh thương mại điện tử của thương hiệu. Năng lượng bình tĩnh và cảm giác chuyển động của cô mang lại điều gì đó đặc biệt cho mỗi bức ảnh.

Cô cũng đã làm việc với Lost Pattern, một thương hiệu tập trung vào kể chuyện và các chủ đề văn hóa. Hsiang được chọn để dẫn dắt các chiến dịch kỹ thuật số của họ, sử dụng khuôn mặt và ngôn ngữ cơ thể thể hiện cảm xúc để thổi hồn vào các bản in đậm và thiết kế đẹp của thương hiệu.

Kinh nghiệm của Hsiang trải rộng từ các thương hiệu độc lập đến các tên tuổi toàn cầu. Đối với chiến dịch kỳ nghỉ 2024 của Aveda, cô là người mẫu gốc Á duy nhất trong số sáu tài năng được chọn. Hiệu suất của cô, cả trong ảnh và video, được cả đội khen ngợi, ngay cả sau khi buổi chụp đã kết thúc.

Các nhiếp ảnh gia và thương hiệu thường đề cập đến cách cô hiểu rõ về cảm xúc và cách cô có thể biến một khung hình đơn giản thành một điều gì đó đáng nhớ. Cô không chỉ trình diễn quần áo – cô còn thêm vào câu chuyện. Công việc của cô đã được đăng tải trên Harper’s BAZAAR, L’Officiel, Flanelle, và nhiều hơn nữa. Trong mỗi dự án, cô cho thấy một mặt khác của sức mạnh lặng lẽ của mình.

Một buổi chụp ảnh đặc biệt nổi bật có tựa đề ‘People Talk’, do nhiếp ảnh gia BoChun đạo diễn, đề cập đến cách xã hội bị cuốn vào câu chuyện và tin đồn giả. Hsiang đã thể hiện một cung đường nhân vật đầy đủ, từ sự ngây thơ đến sự bối rối và tự khám phá. Các biểu cảm của cô đã thổi hồn vào toàn bộ khái niệm.

Điều khiến cô thực sự độc đáo là cô không chỉ là một người mẫu – cô là một đối tác sáng tạo. Trên phim trường, cô đưa ra ý kiến về dòng chảy, năng lượng và cảm giác của buổi chụp. Cô kiểm tra máy ảnh, đưa ra gợi ý và làm việc chặt chẽ với các nhiếp ảnh gia và giám đốc nghệ thuật để tinh chỉnh từng bức ảnh.

Khi thế giới thời trang mở ra cho nhiều tiếng nói và phong cách đa dạng hơn, Hsiang có vẻ như là một sự hiện diện mới mẻ và cần thiết. Cô nói với một thế hệ vừa toàn cầu vừa có nền tảng – thoải mái ở bất cứ đâu, nhưng luôn trung thành với bản thân.

Sự nghiệp của cô, trải rộng trên các tạp chí, nhãn hàng độc lập và các chiến dịch phong phú về văn hóa, đặt cô ngay tại nơi mà Đông gặp Tây. HsiaoWei Hsiang di chuyển dễ dàng giữa các buổi chụp hình biên tập mơ mộng và công việc thời trang thương mại.

Cô đang mang lại nhiều sự hiện diện cho tài năng châu Á ở phương Tây, không phải bằng cách tạo ra tiếng ồn, mà bằng cách thực hiện công việc – và thực hiện nó một cách tốt.

Sự hiện diện của cô trong các tạp chí hàng đầu như Harper’s BAZAAR và L’Officiel nói về cách cô lặng lẽ nhưng mạnh mẽ tạo dấu ấn của mình.

Cô không chỉ đang theo dõi xu hướng thời trang – cô đang giúp định hình cách chúng ta nhìn thấy chúng. Một hình ảnh mỗi lần.

Đã hơn ba thập kỷ trôi qua kể từ khi bộ phim “Jurassic Park” ra mắt vào năm 1993, nhưng hình ảnh khủng long vẫn tiếp tục gây ấn tượng mạnh mẽ với khán giả trên toàn thế giới. Thương hiệu phim “Jurassic” đã trở thành một trong những loạt phim ăn khách nhất mọi thời đại, với tổng doanh thu phòng vé toàn cầu lên đến hơn 6 tỷ USD sau sáu phần phim chính thức.

Sự thành công của thương hiệu này có thể được lý giải bởi sự kết hợp khéo léo giữa khoa học viễn tưởng, hành động nghẹt thở và kỹ xảo điện ảnh đỉnh cao. Không chỉ dừng lại ở sự hùng vĩ và dữ dội của các loài khủng long, thương hiệu “Jurassic” còn khai thác sâu sắc mối quan hệ giữa con người, thiên nhiên và khoa học, đặt ra câu hỏi về việc can thiệp vào tự nhiên.

Từ “Jurassic Park” đến “Jurassic World”, thương hiệu đã trải qua nhiều biến chuyển. Sau ba phần phim “Jurassic Park” (1993-2001), thương hiệu được hồi sinh mạnh mẽ với “Jurassic World” vào năm 2015, và chỉ riêng phần phim này đã thu về hơn 1,6 tỷ USD toàn cầu. Sự thành công đó mở đường cho hàng loạt phần tiếp theo như “Fallen Kingdom” (2018) và “Dominion” (2022).

Tuy nhiên, mỗi lần tái xuất, thương hiệu “Jurassic” đều đặt nặng yếu tố thương mại. Các phần phim sau được đầu tư mạnh về kỹ xảo, dàn sao và quảng bá toàn cầu, với mục tiêu rõ ràng đó là lợi nhuận. Điều này cũng đặt ra thách thức về mặt nội dung, khi trọng tâm nghiêng về doanh thu, các yếu tố như logic kịch bản, chiều sâu nhân vật, hay thông điệp nhân văn dễ bị lu mờ trước những cảnh hành động rượt đuổi mãn nhãn.

Một trong những vấn đề của thương hiệu “Jurassic” là việc liên tục khai thác mô-típ chung của hầu hết các phần phim, đó là con người tái tạo khủng long – mất kiểm soát – thảm họa xảy ra. Dù được “tô màu” bằng nhân vật mới, bối cảnh mới hay giống loài khủng long lai tạo, cốt lõi nội dung không có nhiều đột phá. Điều này khiến một bộ phận khán giả trung thành bắt đầu thấy sự lặp lại nhàm chán.

Những phần phim gần đây thường bị chê là thiếu logic, yếu về kịch bản, và quá phụ thuộc vào kỹ xảo. Điển hình, “Dominion” (2022) bị giới phê bình đánh giá thấp dù doanh thu vẫn ở mức “khủng”, cho thấy ranh giới giữa giá trị thương hiệu và chất lượng thực tế đang ngày càng xa nhau.

Sức hút của khủng long có thể là vĩnh cửu, nhưng khán giả ngày nay đòi hỏi nhiều hơn những màn gầm rú ầm ỹ. Việc loạt phim tiếp tục “tái sinh” có thể khiến một bộ phận khán giả cảm thấy mệt mỏi vì kịch bản lặp lại, thiếu sáng tạo. Tuy nhiên, ở khía cạnh thương mại, “Jurassic” vẫn là “con gà đẻ trứng vàng”. Từ phim ảnh, công viên giải trí, đồ chơi, game, đến hàng loạt sản phẩm ăn theo, khủng long vẫn chứng minh được sức sống mãnh liệt trên mọi mặt trận.

Giữa bối cảnh điện ảnh thế giới đang dần thay đổi với sự lên ngôi của những vũ trụ điện ảnh đa dạng và nhân vật mới mẻ, việc thương hiệu “Jurassic” có tiếp tục giữ vững được vị trí hay không phụ thuộc vào khả năng đổi mới trong cách kể chuyện, nhân vật, và thông điệp. Khán giả không còn bị chinh phục chỉ bởi kỹ xảo mà họ cần những câu chuyện chạm tới cảm xúc và phản ánh đúng thời đại.

Việc liên tục khai thác thương hiệu “Jurassic” giúp hãng phim thu về hàng tỷ USD, nhưng cũng là con dao hai lưỡi có thể bào mòn giá trị sáng tạo – điều từng làm nên huyền thoại khủng long trên màn ảnh. Bài toán đặt ra không chỉ là làm sao để tiếp tục “gầm vang” doanh thu, mà còn là làm sao để khủng long tiếp tục sống mãi trong lòng người xem như một biểu tượng điện ảnh thực thụ, chứ không chỉ là công cụ kiếm tiền của phòng vé.

Adele, một trong những nữ ca sĩ hàng đầu thế giới, vừa thông báo rằng cô sẽ tạm dừng hoạt động âm nhạc trong một thời gian dài sau khi hoàn thành loạt show diễn tại Đức vào tháng 8 tới. Sau gần hai năm biểu diễn liên tục tại Las Vegas, Adele cho biết cô đã cạn năng lượng và cần thời gian để nghỉ ngơi và thử sức với các dự án sáng tạo khác.

Trong cuộc phỏng vấn với đài ZDF (Đức), Adele thẳng thắn thừa nhận rằng cô chưa có kế hoạch nào cho việc phát hành nhạc mới. Chuỗi concert ‘Weekends with Adele’ tại Caesars Palace (Las Vegas) đã diễn ra từ tháng 11/2022 và dự kiến kéo dài đến tháng 11 năm nay. Tuy nhiên, sau khi kết thúc 10 đêm diễn sắp tới tại Munich vào tháng 8, Adele dự định sẽ tạm rời xa sân khấu để nghỉ ngơi.

Adele cho biết chuỗi concert tại Las Vegas dù thành công và ‘cháy’ vé nhưng vẫn ảnh hưởng đáng kể đến thể chất và tinh thần của cô. Với sức chứa khoảng 4.000 khán giả, Caesars Palace không phải là một sân vận động lớn, nhưng Adele vẫn phải tiêu hao rất nhiều năng lượng. Cô cũng cho rằng việc phải trình diễn liên tục đã khiến mình kiệt sức.

Ngoài ra, Adele tiết lộ cô thường xuyên hoài niệm về cuộc sống trước khi nổi tiếng toàn cầu. Cô nhớ được sống ẩn dật, thích việc có thể làm nhạc bất cứ khi nào mình muốn và khán giả luôn đón nhận, yêu thích nó. Tuy nhiên, cô cũng ghét tất cả những gì đi kèm với sự nổi tiếng, như việc mọi người quan tâm tới âm nhạc và giọng hát của cô.

Mặc dù vậy, Adele cho rằng sự đánh đổi đó xứng đáng. Cô sẽ tiếp tục thử sức với những hoạt động sáng tạo khác và có thể sẽ trở lại với âm nhạc trong tương lai. Khi được hỏi về kế hoạch tương lai, Adele cho biết cô sẽ tập trung vào việc phát triển sự nghiệp của mình và có thể sẽ khám phá các thể loại âm nhạc mới.

Cuộc phỏng vấn của Adele với đài ZDF (Đức) đã khiến người hâm mộ của cô không khỏi băn khoăn về tương lai của nữ ca sĩ. Tuy nhiên, cũng có nhiều người ủng hộ quyết định tạm dừng hoạt động âm nhạc của Adele, hy vọng cô sẽ có thời gian để nghỉ ngơi và tái tạo năng lượng.

Hiện tại, người hâm mộ có thể theo dõi các hoạt động của Adele thông qua trang web chính thức và các tài khoản mạng xã hội của cô. Chúng ta hãy cùng chờ đợi và hy vọng Adele sẽ sớm trở lại với âm nhạc trong tương lai.